Pengertian Seni Rupa, Definisi Serta Contoh Lengkapnya

Apa itu Seni Rupa? Istilah “seni rupa” mengacu pada bentuk seni yang dipraktekkan terutama karena nilai kegunaan dan keindahan adalah hal terpenting ketika menciptakan karya seni rupa daripada nilai fungsionalnya. Seni rupa berakar pada gambar dan karya berbasis desain seperti lukisan, seni grafis, dan seni pahat. Ini sering dikontraskan dengan “seni rupa terapan” dan “kerajinan tangan” yang keduanya secara tradisional dipandang sebagai kegiatan utilitarian atau sering disebut Utilitarianism. 

Apa Utilitarianisme Itu? Utilitarianisme adalah teori moralitas, yang menganjurkan tindakan yang menumbuhkan kebahagiaan atau kesenangan dan menentang tindakan yang menyebabkan ketidakbahagiaan atau bahaya. Ketika diarahkan untuk membuat keputusan sosial, ekonomi, atau politik, filosofi utilitarian akan bertujuan untuk kemajuan masyarakat secara keseluruhan. Utilitarianisme akan mengatakan bahwa suatu tindakan adalah benar jika menghasilkan kebahagiaan bagi sebagian besar orang dalam masyarakat atau kelompok.

Memahami Utilitarianisme Utilitarianisme adalah tradisi filsafat etika yang dikaitkan dengan Jeremy Bentham dan John Stuart Mill, dua filsuf, ekonom, dan pemikir politik Inggris akhir abad ke-18 dan ke-19. Utilitarianisme berpendapat bahwa suatu tindakan itu benar jika cenderung meningkatkan kebahagiaan dan salah jika cenderung menghasilkan kesedihan, atau kebalikan dari kebahagiaan. Bukan hanya kebahagiaan seniman tetapi juga kebahagiaan semua orang yang terpengaruh olehnya. Dengan cara meningkatkan fokus di tempat kerja, Anda bisa menunjukkan utilitarianisme saat Anda mengambil tindakan untuk memastikan bahwa kantor adalah lingkungan yang positif bagi rekan kerja Anda, dan kemudian melakukannya untuk diri Anda sendiri.

Salah satu contoh karya seni rupa sebagai kebutuhan akan benda pakai adalah kursi, meja, lemari, adalah furniture wajib dan kerajinan keramik, botol dan lainnya. Benda-benda ini bukan hanya sebagai penunjang untuk kehidupan sehari-hari kita. Tetapi juga memiliki nilai seni rupa terapan yang indah dalam bentuk fisik dengan hasil visual yang bisa dinikmati mata. Berikut ini macam-macam seni rupa yang diketahui:

Apa Itu Seni Rupa Terapan?

seni rupa terapan memiliki pengertian semua seni yang menerapkan desain dan dekorasi pada benda-benda sehari-hari dan pada dasarnya praktis untuk membuat mereka estetis.Istilah ini digunakan untuk membedakan seni rupa, yaitu seni yang menghasilkan benda-benda tanpa penggunaan praktis, yang tujuan satu-satunya adalah untuk keindahan atau merangsang kecerdasan dalam beberapa cara. Dalam praktiknya, keduanya seringkali tumpang tindih. Seni terapan sebagian besar tumpang tindih dengan seni dekoratif, dan pembuatan seni terapan modern biasanya disebut desain. adapun contoh seni rupa terapan yang berkaitan dengan dunia modern yakni seni desain grafis, seni audio visual, seni vokal grup, seni paduan suara, seni teater dan lain sebagainya.

Definisi Tentang Seni Rupa

Bidang seni rupa terus diperluas untuk merangkul aktivitas baru yang timbul karena teknologi baru, atau penemuan artistik. Yang pertama dicontohkan dengan lukisan akrilik, serta sablon sutra dan cetakan giclee; yang terakhir dengan penemuan karya seni media campuran menggunakan kolase, decollage, photomontage, atau “found-art”. Karena proses pelebaran bertahap ini, hampir tidak mungkin untuk mendefinisikan atau menetapkan makna seni rupa.

Perbedaan Antara Seni Rupa Murni Dan Terapan (Seni Dekoratif/Kerajinan)

Hingga Gerakan Seni & Kerajinan Inggris di akhir abad ke-19, terdapat perbedaan yang tegas antara seni rupa (murni estetika) dan seni dekoratif (fungsional). Selama abad ke-20, dengan diperkenalkannya kategori seni visual, perbedaan yang bertentangan ini menjadi kabur, dan kerajinan tangan atau seni dekoratif sebagai salah satu contoh karya seni dekoratif adalah keramik yang sekarang dianggap sebagai teknik seni rupa 2 dimensi.

Apa Saja Yang Termasuk Seni Rupa?

Definisi seni rupa pasti berubah seiring waktu mengikuti perkembangan zaman, tetapi kebanyakan mencakup kegiatan dasar sebagai berikut:

Contoh Seni Rupa Menggambar

Berikut ini adalah contoh seni rupa menggambar yang bisa menambah pengetahuan Anda dalam bidang seni rupa:

Seni Rupa Gambar Menggunakan Arang

Arang adalah salah satu media gambar tertua – lihat, misalnya, gambar arang Nawarla Gabarnmang kuno (26.000 SM) – dan umumnya digunakan oleh seniman bahkan hingga hari ini, dalam bentuk tongkat atau bubuk terkompresi. Tongkat biasanya terbuat dari ranting willow (atau kayu linden) yang mengalami proses pembakaran lambat yang mengurangi kayu menjadi karbon. Tongkat memiliki ketebalan yang bervariasi mulai dari yang sangat tebal (digunakan oleh pelukis adegan), hingga tongkat sedang dan tipis (digunakan untuk gambar yang lebih detail). Arang bambu adalah media utama yang digunakan oleh seniman Sumi-e Jepang, (catatan: Sumi-e sebenarnya berarti gambar arang).

Sketsa Persiapan Membuat Seni Rupa Metode Arang

Arang sering digunakan oleh pelukis untuk membuat gambar persiapan di atas kanvas, sebelum menambahkan pigmen. Ini karena cat mudah dilapis ulang tanpa mempengaruhi warna atau corak cat yang dilapisi. Edgar Degas, seorang Impresionis Prancis, menggunakannya untuk mengembangkan gambarnya yang kemudian dilapisi dengan lapisan pastel lembut.

Contohnya adalah Penari Biru miliknya, 1899 (Museum Pushkin Moscow). Pengeditan gambar dilakukan dengan sangat mudah dengan menggunakan bulu, sikat, karet dempul, atau bahkan roti adonan yang lembut.

Efek Arang Dari Seni Rupa Gambar

Keunggulan utama Charcoal sebagai media seni grafis adalah keserbagunaannya. Kertas ini dapat digunakan untuk menghasilkan garis dengan kualitas lembut atau kuat, yang dapat dihapus tanpa kesulitan, atau dapat diseret melintasi kertas untuk menghasilkan area tonal, tekstur, dan bayangan yang berbeda. Namun, gambar yang dibuat dengan arang di atas kertas tidak permanen kecuali disemprot dengan fiksatif – biasanya resin yang dilarutkan dalam alkohol.

Seni Rupa Gambar Menggunakan Kapur

Kapur adalah salah satu media gambar tertua yang tekstur dan tampilannya mirip dengan pastel, dan telah digunakan oleh para draughtsman dan pelukis sejak zaman prasejarah.

Dalam bentuknya yang paling terkenal, ini adalah batu putih berbutir halus lembut, terdiri dari hampir kalsium karbonat murni (batu kapur), yang potongannya digunakan untuk menggambar. Ini biasanya diterapkan pada kertas kering dan karena mudah luntur maka mudah dicampur dan dicampur. Kapur putih awalnya digunakan untuk menambahkan sorotan ke media gambar lain dan sangat efektif pada kertas berwarna.

Selain putih, ada dua jenis kapur lain yang digunakan untuk membuat sketsa: merah dan hitam. Varietas merah adalah hematit berwarna oker, disebut ‘sanguine’ yang berasal dari bahasa Perancis untuk merah darah; varietas hitam dipotong dari serpih karbon hitam. Kapur sekarang diproduksi dalam berbagai warna dengan menggabungkan batu kapur dengan air, pigmen, dan bahan pengikat seperti permen karet ..

Seni Rupa Gambar Menggunakan Pastel

Dalam seni rupa, istilah ‘pastel’ mengacu pada batang warna yang terbuat dari pigmen bubuk yang diikat dengan resin atau permen karet. Nama ini berasal dari kata pastello (Italia), yang berarti roti gulung kecil.

Dikembangkan pada pertengahan abad ke-16 dari kapur berwarna yang digunakan untuk menggambar, pastel pertama kali menjadi populer di kalangan seniman potret pada abad ke-18, karena efek atmosfernya yang lembut. Biasanya, pastel diaplikasikan kering pada kertas, memungkinkan seniman untuk mengaplikasikan warna pada komposisi sejak awal, tanpa persiapan garis dan tonal.

Seni Rupa Gambar Menggunakan Pensil

Pensil berasal dari kata bahasa latin ‘peniculus’ yang berarti kuas, yang digunakan oleh draughtsman di seluruh dunia, adalah media gambar yang paling langsung dan sensitif, karena mampu menghasilkan sketsa cepat atau gambar yang dikerjakan dengan baik. Tanda pensil bervariasi sesuai dengan kekerasan timah grafit di poros. Semakin keras ujungnya (dan semakin tajam ujungnya) semakin halus garisnya. Pensil adalah media yang kering, berbeda dengan pulpen yang mengaplikasikan cairan.

Seniman Terkenal Yang Menghasilkan Seni Rupa Gambar Metode Pensil

Poin-poin penting, dengan guratan tipis yang jelas dan tahan lama sangat cocok untuk keperluan juru gambar Neoklasik dan Romantis abad kedelapan belas. Di antara para ahli sketsa pensil adalah Jean-Auguste Ingres (1780-1867), yang karyanya meliputi Potret Nyonya Guillaume Guillon Lethière (gambar pensil utama, sekarang di Museum Seni Fogg, Universitas Harvard); John Constable, pelukis lanskap Inggris yang menggunakan pensil dan sapuan sepia di Trees and a Stretch of Water on the Stour (Museum Victoria dan Albert, London); Pablo Picasso, yang karyanya antara lain Still Life with Glass, Apple, playing Card and Package of Tobacco, (sekarang di Winston Art Collection, Michigan). Dua karya seni yang sangat bagus dengan pensil di Galeri Tate di London meliputi: Alice Meynell oleh John Singer Sargent, dan Thomas Hardy dari William Strang. Contoh modern lainnya dari penggunaan pensil, dapat dilihat di National Self-Portrait Collection of Ireland di University of Limerick. Lihat misalnya potret pensil biasa oleh seniman Irlandia Patrick Scott, Sarah Purser, Walter Osborne, dan Patrick Leonard; potret pensil berwarna oleh Jim Allen; potret pensil dan cat air oleh Jack B. Yeats, dan Stephen McKenna.

Sketsa Persiapan Dengan Pensil

Kelemahan utama dari karya seni dengan pensil murni adalah ketidakkekalan relatifnya, dan karakter monokromnya. Akibatnya, kebanyakan juru gambar biasanya melakukan pekerjaan di media yang lebih permanen (atau dengan fiksatif), dan menambahkan pigmen melalui penggunaan cat air atau guas atau pastel. Namun, garis pensil yang mudah dihapus membuat media ini sangat nyaman untuk sketsa persiapan, itulah sebabnya sebagian besar pelukis modern, yang menggunakan minyak, cat air, atau akrilik, mengeksekusi desain awal mereka dengan pensil.

Bagaimana Pensil Timbal Dibuat Hari Ini

Timbal pensil adalah suatu bentuk karbon, disebut grafit: berasal dari kata Yunani ‘graphein’ yang berarti, menulis. Selama pembuatan pensil, grafit alam direduksi menjadi bubuk, dicampur dengan tanah liat, kemudian dibentuk menjadi pasta. Pasta grafit ini kemudian dikompresi dan diekstrusi menjadi batang tipis panjang, yang kemudian dipanggang. Timbal yang sudah jadi kemudian diresapi dengan lilin untuk memudahkan penggambaran halus dan terbungkus dalam batang kayu cedar.

Jenis Pensil Timbal

Pensil tersedia dalam bentuk tradisional, dibungkus dengan batang kayu, atau sebagai batang grafit. Tongkat ini terbuat dari grafit terkompresi bermutu tinggi, dibentuk menjadi tongkat tebal yang tebal. Juru gambar dapat memvariasikan tanda yang dibuat dengan menggunakan ujung, ujung pipih dari ujung atau panjang tongkat. Tongkat grafit adalah media yang disukai banyak seniman, karena kerapatan nada yang bervariasi.

Sejarah Pensil Timbal

Dalam seni Yunani, juru gambar dan pelukis menggunakan stylus logam (sering kali terbuat dari timah) untuk menggambar di atas papirus. Selama era seni Renaisans, stylus digunakan bersama dengan berbagai paduan logam berbeda untuk membuat gambar Renaisans yang sangat indah di Italia dan Jerman. Seniman magang sebenarnya menggunakan stylus kosong untuk berlatih menggambar dengan membuat lekukan yang mudah dilepas pada tablet. Instrumen jenis stylus yang bagus ini dapat dianggap sebagai pelopor pensil grafit masa kini.

Alat tulis pertama yang disebutkan dengan inti grafit yang dimasukkan ke dalam dudukan kayu dibuat oleh ilmuwan dan naturalis Swiss-Jerman, Conrad Gesner pada tahun 1565, tetapi pensil timah modern baru muncul lama kemudian setelah ditemukan benang grafit murni yang tidak biasa. di Borrowdale di Distrik Danau Inggris. Terlepas dari kesuksesan pembuat pensil Jerman dan Amerika, Nicolas-Jacques Conde dari Prancis Lah yang dianggap sebagai penemu pensil modern pada abad ke-18, ketika sebuah metode ditemukan untuk menggabungkan grafit dengan tanah liat. Pemimpin saat ini dalam pembuatan dan produksi pensil termasuk perusahaan pensil dan perlengkapan seni Dixon Ticonderoga, Faber-Castell, Sanford.

Penilaian Dalam Seni Rupa Gambar Pensil

Saat ini, mayoritas pensil dinilai atau diklasifikasikan menurut sistem Eropa menggunakan spektrum dari ‘H’ (kekerasan) hingga ‘B’ (kegelapan). Pensil tulis biasa diberi nilai HB, sedangkan yang paling keras adalah 9H dan yang paling lembut adalah 9B. Secara sederhana, nilai yang berbeda dicapai dengan memvariasikan rasio grafit terhadap tanah liat, selama pembuatan. Semakin banyak tanah liat yang digunakan, semakin keras pensilnya.

Jenis Pensil Lainnya Yang Digunakan

Ada beberapa jenis pensil seni rupa lainnya untuk seniman dan juru gambar. Ini termasuk: pensil warna, tidak terbuat dari grafit tetapi dari campuran tanah liat, pigmen dan lilin; pensil arang, terbuat dari arang terkompresi; pensil krayon, terbuat dari pigmen, grafit, gum dan minyak; serta pensil cat air dan berbagai alat modern seperti penghapus warna dan spidol lainnya.

Seni Rupa Gambar Pena dan Tinta

Dalam seni rupa, istilah ‘pena dan tinta’ menunjukkan teknik menggambar yang melibatkan penggunaan tinta hitam dan tinta berwarna lainnya yang diterapkan pada penyangga (umumnya kertas) dengan pena celup atau pena reservoir. Media tradisional dan serbaguna ini telah digunakan oleh seniman Barat sejak zaman Mesir kuno, untuk sketsa, gambar jadi atau lukisan tinta dan cuci. Ini juga salah satu media utama yang terlibat dalam ilustrasi buku (lihat, misalnya, Aubrey Beardsley) dan dalam gambar otomatis surealis (untuk detailnya, lihat: Automatisme dalam Seni).

Sejarah Awal Seni Pena Dan Tinta

Seniman dari beberapa budaya kuno menggunakan tinta dalam gambar seni rupa mereka. Salah satu gambar paling awal yang masih hidup dalam seni Yunani, digambar dengan pena dan pewarna (di atas papirus), adalah Penculikan Briseis (sekitar 300 M) oleh seniman Yunani yang tidak dikenal (Bayerische Staatsbibliothek, Munich).

Namun, medium tersebut dikembangkan ke tingkat yang tinggi dalam seni Tiongkok selama era seni Dinasti Tang (618-906) dan seni Dinasti Song (960-1279), dan kemudian di Jepang selama periode Muromachi (1338-1573). (Lihat pelukis Cina.) Memang, pena dan tinta selalu menjadi media utama seni dan kaligrafi Asia di Cina, Jepang, dan Korea. Lukisan tradisional Tiongkok dibuat dengan sikat rambut binatang yang dicelupkan ke dalam tinta hitam atau berwarna. Minyak umumnya tidak digunakan. Pekerjaan dalam garis besar murni disebut ‘pai-miao’, tinta diterapkan dalam percikan ‘p’o-mo’. Jenis penyangga yang paling populer adalah kertas atau sutra, tetapi beberapa lukisan dibuat di dinding atau pernis. Karya seni yang lengkap sering dipasang pada gulungan, yang digantung atau digulung. Untuk panduan tentang estetika yang mendasari gambar dan tulisan seni rupa Oriental (kaligrafi), lihat: Seni Tradisional Cina: Karakteristik.

Seni Rupa Gambar Karikatur

Apa itu Karikatur? Karikatur adalah gambar orang sungguhan yang mendistorsi atau melebih-lebihkan ciri-ciri tertentu, tetapi tetap mempertahankan kemiripan: dengan kata lain, karya seni potret yang dilebih-lebihkan.

Karikatur pertama kali menjadi genre seni rupa yang populer pada abad 16 dan 17 dan diciptakan oleh para satiris untuk mengejek tokoh masyarakat dan politisi (karikatur dengan pesan moral dianggap satire). Mereka terus menjadi populer hari ini, dan digunakan di majalah dan surat kabar untuk mengolok-olok bintang film, politisi, dan selebriti. Satu-satunya hal yang berubah adalah alat artis. Awalnya karikatur menggunakan gambar arang, pensil atau pena dan gambar tinta, tetapi sekarang seorang seniman memiliki akses ke program grafik seperti Adobe Illustrator atau Corel Painter.

Karikaturis telah menggunakan kekuatan yang signifikan dengan pena mereka, jauh lebih banyak daripada yang bisa dilakukan oleh seorang penulis. Pada masa-masa awal genre, mereka mengirimkan pesan tanpa perlu kata-kata tertulis melainkan dengan karikatur yang mana karakter yang ditonjolkan objek gambar karikatur adalah menyindir suatu tokoh, kritikan sosial. Disamping itu penting pada masa dalam sejarah ketika mayoritas penduduk tidak dapat membaca. Salah satu contoh paling terkenal dari seni grafis semacam ini adalah lukisan satir Napoleon Bonaparte oleh seniman Inggris James Gillray (1756-1815). Dia menggambarkan Kaisar Prancis sangat pendek dan agak konyol, dengan topi besar.

Hari ini, sebagai hasilnya, kami masih menganggapnya lebih pendek dari yang sebenarnya. Karikatur mungkin salah satu bentuk seni yang paling populis, tetapi sebagai gambar figuratif mereka biasanya sama terampil dan lebih berpengaruh daripada kebanyakan lukisan potret.

Apa Perbedaan Antara Kartun Dan Karikatur?

Kartun – biasanya gambar karakter fiksi – pertama kali diterbitkan sebagai bagian dari komik pada abad ke-19 oleh seniman Swiss Rodolphe Topffer (1799–1846) dalam upaya menciptakan metode baru bercerita. Konsepnya adalah pelopor seni animasi dan buku komik modern. Kartun pertama dimaksudkan untuk diterbitkan di surat kabar harian, jadi dengan cepat dibuat sketsa dengan sedikit usaha. Sebaliknya, karikatur dan satir sering kali diukir dengan teliti dan diwarnai dengan tangan serta dicetak dalam publikasi yang lebih mengkilap. Bahkan sampai hari ini perbedaan ini tetap ada. Karikatur warna-warni yang digunakan untuk mengilustrasikan artikel majalah atau surat kabar sering kali memiliki kualitas artistik yang lebih unggul daripada sketsa komik seperti Calvin dan Hobbes, Peanuts atau Doonesbury. Tentu saja tidak ada yang statis selamanya. Dengan munculnya seni komputer, kartunis telah memperluas genre dengan membuat gambar kartun yang canggih dan sangat kompleks, terutama di bidang fantasi.

Untuk lebih jelasnya bisa Anda baca di: Apa Yang Dimaksud Dengan Karikatur? Dan Bedanya Kartun Dan Karikatur.

Contoh Seni Rupa lukisan

Pengertian seni lukis adalah karya seni rupa modern (modernisme) yang ada sejak akhir abad ke-19 hingga pertengahan abad ke-20. Seringkali orang mengartikan seni modern sebagai gubahan terkini dari seorang seniman. Atau, sering juga mendengar orang menyebut segala jenis seni abstrak sebagai ‘seni modern’.

Pada akhir tahun 1800-an, ada pergerakan dari penggambaran yang sudah jelas, ke ekspresi yang lebih esoteris oleh seniman. Seniman merasa perlu untuk beralih dari ekspresi figuratif ke ekspresi yang lebih abstrak. Seperti yang dikatakan Picasso, “seniman melukis bukan apa yang Anda lihat, tetapi apa yang Anda tahu ada di sana”. Ini adalah perubahan besar dalam filosofi dan akhirnya menjadi penyimpangan terbesar dalam seni barat. Kesan seniman tentang warna yang digunakan dalam lukisan, bukan warna subjek yang sebenarnya. Dalam filosofi ini, seni dengan tema / subjek kontemporer lebih diunggulkan daripada lukisan dan seni sejarah yang menjadi tema utama hingga saat itu. Pergeseran tersebut juga membebaskan bentuk komposisi lukisan seperti Kubisme Picasso.

Maka dalam sejarah seni rupa era seni ini disebut sebagai Modernisme, yang mencari pemikiran radikal dan kebebasan berekspresi dalam seni rupa. Sekitar waktu ini, para seniman memiliki kebebasan untuk melukis subjek apa pun dengan mendengarkan energi kreatif mereka, karena tidak ada Pelanggan yang menyenangkan. Di era modern seni lukis bergeser dari mereplikasi realitas ke komposisi yang lebih berkonsentrasi pada bentuk, garis, dan warna, sebagai tema sentral. Picasso, Braque, Kandinsky adalah beberapa pelopor filosofi ini. Berikut ini contoh seni rupa lukis:

Definisi Lukisan Teknik Encaustic

Apa itu Lukisan Encaustic? Dalam seni rupa, kata “encaustic” menggambarkan teknik melukis dan melukis yang menggunakan lilin lebah panas untuk mengikat pigmen warna dan untuk memfasilitasi penerapannya pada suatu permukaan. Sebuah penemuan seni Yunani, namanya berasal dari kata Yunani yang berarti “dibakar”. Cat diaplikasikan pada permukaan lukisan (biasanya panel kayu, atau dinding), setelah itu dipanaskan kembali untuk menyatukan cat menjadi hasil akhir seperti enamel yang seragam, tanpa semua bekas kuas.

Seniman kuno mengaplikasikan cat menggunakan kuas dan spatula untuk membuat gambar. Setelah selesai, mereka menerapkan obor menyala ke permukaan lukisan untuk memanaskan kembali lilin, menyebabkannya melebur secara permanen dengan pigmen dan dengan panel / dinding. Saat ini, lampu pemanas, senapan panas, atau bahkan setrika listrik digunakan untuk menciptakan efek yang sama. Alat modern ini memberi pelukis lebih banyak waktu untuk mengerjakan materi. Resep encaustic yang paling mudah melibatkan penambahan pigmen ke lilin lebah, tetapi jenis lilin dan resin lain juga dapat digunakan.

Ciri-Ciri Seni Encaustic Dari Kelebihan dan Kekurangan

Encaustic serba guna seperti media lukis lainnya, dan memiliki berbagai keunggulan tekstur dan warna yang menjadikannya alternatif yang sangat baik untuk lukisan cat minyak dalam banyak situasi berbeda. Mampu dipoles hingga gloss tinggi, dapat dimodelkan, dipahat, dan dikombinasikan dalam karya media campuran dengan kolase dan barang-barang seni sampah lainnya. Yang terpenting, ini segera mendingin, dengan waktu pengeringan minimum, namun selalu dapat dikerjakan ulang. Dan karena lilin lebah kedap air, ia tidak akan rusak, atau menggelap atau menguning, dan lukisan encaustic tidak perlu dilindungi di bawah kaca. Encaustics juga lebih aman bagi lingkungan, karena tidak mengeluarkan asap beracun, dan tidak memerlukan penggunaan pelarut. Satu-satunya kelemahan mereka adalah kebutuhan mereka untuk disimpan dalam keadaan cair, meskipun perkakas modern telah menjadikan ini tugas yang relatif sepele.

Asal Usul dan Sejarah Seni Encaustic

Lukisan encaustic berasal dari Classical Antiquity. Menurut sejarawan Romawi, Pliny, menulis pada abad pertama Masehi, itu diduga diciptakan oleh seniman Yunani pada zaman Lukisan Yunani Klasik (sekitar 480-323 SM), menggunakan teknik yang dipinjam dari pelukis kapal yang memasukkan lilin untuk tahan cuaca lambung perahu mereka. (Pliny bahkan menyebut nama dua seniman yang awalnya dilatih sebagai pelukis kapal.) Ini dengan cepat menjadi salah satu metode utama melukis dalam seni Mesir, Yunani, Romawi dan Bizantium, terutama seni Bizantium Kristen. Pliny juga mencatat bahwa cat encaustic digunakan dalam seni patung dan seni plastik lainnya, untuk pewarnaan marmer dan terakota, karena – saat dipanaskan – campuran lilin / pigmen memiliki kualitas perekat yang sangat kuat.

Definisi Lukisan Teknik Tempera

Apa itu Lukisan Tempera? Tempera (disebut juga tempera telur) adalah metode melukis yang menggantikan metode encaustic painting, hanya digantikan oleh lukisan cat minyak. Namanya berasal dari kata Latin temperare, yang berarti ‘bercampur dalam proporsi’. Berbeda dengan cat encaustic yang mengandung lilin lebah untuk mengikat pigmen warna, atau cat minyak yang menggunakan minyak, tempera menggunakan emulsi air, kuning telur atau telur utuh (terkadang dengan sedikit lem, madu atau susu).

Ciri-ciri Seni Lukis Tempera dari Kelebihan dan Kekurangan

Tempera biasanya diaplikasikan ke permukaan yang sudah disiapkan. Lukisan panel kayu, misalnya, dibuat dengan lapisan gesso (campuran ukuran dan kapur) untuk membentuk permukaan yang halus. Tempera kemudian diaplikasikan (di atas gambar atau sketsa yang telah disiapkan) dan dibangun perlahan dalam serangkaian lapisan tipis dan transparan. Tidak seperti cat minyak, tempera tidak dapat diaplikasikan terlalu tebal, sehingga tidak memiliki pewarnaan minyak yang dalam. Namun lukisan tempera sangat tahan lama dan warnanya tidak merosot seiring waktu, tidak seperti cat minyak yang cenderung menggelap atau kehilangan warna seiring bertambahnya usia. Ini mengering dengan cepat, dan saat kering menghasilkan hasil akhir matte yang halus. Kerugian utama – selain membutuhkan waktu yang lama untuk mengaplikasikannya dalam lapisan tipis – adalah bahwa lukisan tempera biasanya tidak dapat mencapai saturasi warna yang dalam yang dapat diatur oleh lukisan cat minyak.

Asal Usul Seni Lukis Tempera

Teknik melukis Tempera tampaknya berasal dari Zaman Kuno. Sayangnya, karena sifat medium yang mudah rusak, serta penjarahan yang tak terhindarkan, tidak ada satu pun contoh penting lukisan Yunani Klasik di tempera yang bertahan. Namun, banyak karya dalam tempera telah direkam dalam seni Mesir – terutama Potret Mumi Fayum (sekitar 50 SM – 250 M). Tempera juga merupakan media populer dalam Seni Romawi: contoh terbaik yang masih ada adalah “Severan Tondo” (sekitar 200 M, Antikensammlung Berlin), potret Kaisar Romawi Septimus Severus bersama keluarganya, dilukis pada panel kayu melingkar.

Definisi Lukisan Teknik Tinta dan Cuci

Dalam seni rupa, istilah ‘Lukisan Tinta dan Cuci’ menunjukkan metode melukis Asia Timur atau Oriental. Ini juga disebut sebagai ‘lukisan kuas’. Orang Cina menyebutnya sebagai mo-shui, sedangkan orang Jepang menyebutnya suibokuga atau sumi-e, dan orang Korea mengenalnya sebagai Soomookwa.

Media lukisan tradisional untuk tinta dan cucian adalah tinta hitam, biasanya diaplikasikan dengan sikat berbulu panjang (dari hewan seperti kambing, serigala, luwak, kelinci, babi hutan, atau domba) di atas kertas atau sutra.

Lukisan yang sudah selesai kemudian dipasang pada gulungan, yang digantung atau digulung. Tinta itu sendiri datang dalam bentuk tongkat karbon yang digiling dan partikel yang dihasilkan bercampur dengan air.

Asal Usul dari Lukisan Tinta dan Cuci

Pertama kali digunakan dalam seni Cina, seni lukis tinta dan cuci ditemukan oleh Wang Wei, selama era seni Dinasti Tang (618-907), dan setelah pengembangan lebih lanjut teknik ini menyebar ke Jepang sekitar tahun 1350 dan memuncak dalam popularitas di kalangan seniman dan ahli kaligrafi Jepang. selama era Muromachi (1338-1573). Untuk daftar tanggal dalam perkembangan seni lukis Asia, lihat: Garis Waktu Seni Cina (c. 18.000 SM – sekarang). Praktisi Tiongkok yang terkenal termasuk pelukis: Bada Shanren, Daqian Jushi, Xu Beihong, Mi Youren dan Qi Baishi; sedangkan eksponen Jepang meliputi: Josetsu, Shubun, Shingeki, Oguri Sokei, dan Hasegawa Tohaku. Untuk lebih lanjut, lihat: Pelukis Cina. Untuk gaya lukisan di anak benua India, lihat: Lukisan India Klasik (Hingga 1150 M) dan Lukisan India Pasca-Klasik (Abad 14-16).

Bentuk Dari Lukisan Tinta Dan Cuci

Seperti dalam Kaligrafi, sapuan kuas dalam lukisan Tiongkok bukanlah sarana mengaplikasikan tinta daripada pernyataan filosofis atau emosional. Buddhisme Zen dan Konfusianisme masing-masing terkait dengan gaya dan metodologi sapuan kuas yang berbeda. Artis tinta dan cuci memposisikan kuas secara vertikal di atas permukaan kertas dan mengontrol gerakan ritmisnya dari bahunya. Ketepatan yang tepat diperlukan dalam bentuk seni Oriental ini karena sapuan kuas tidak dapat diubah setelah dibuat. Untuk garis besar konvensi artistik dan estetika di balik lukisan tinta dan cuci Timur Jauh, lihat: Seni Tradisional Cina: Karakteristik.

Lukisan Tinta Dari Negara Barat

Karena kurang paham dengan seni kaligrafi tradisional, seniman Barat cenderung lebih banyak menggunakan tinta untuk studi persiapan, ilustrasi sastra dan topologi daripada sebagai media untuk karya seni kuda-kuda. Dalam seni grafis, ketepatan dan keabadian garis yang digambar dengan tinta jauh lebih unggul daripada media kering. Tinta yang digunakan biasanya terbuat dari bahan berbasis karbon (bistre) seperti arang, atau dari beri atau pewarna yang berasal dari serangga atau kerang. Namun tinta India berbasis permen karet yang lebih modern tidak mudah memudar. Tinta awalnya diaplikasikan menggunakan pena celup, nenek moyang pulpen saat ini, spidol dan pena gambar teknis. Sejumlah Old Masters telah menggunakan tinta untuk membuat karya seni gambar yang sangat halus. Pelukis seperti itu termasuk Goya, Nicolas Poussin, Rembrandt dan John Constable, sementara eksponen yang lebih modern termasuk Edouard Manet dan Picasso.

Definisi Lukisan Cat Minyak

Apa itu Cat Minyak? Dalam bentuknya yang paling sederhana, cat minyak merupakan campuran dari tiga hal: pigmen, pengikat, dan pengencer. Pigmen adalah elemen warna, sedangkan pengikat (oli) adalah kendaraan cair atau pembawa yang menahan pigmen untuk diaplikasikan pada kanvas atau penyangga apa pun yang akan dicat.

Pengencer biasanya ditambahkan ke campuran minyak pigmen kental agar lebih mudah diaplikasikan dengan kuas. Jadi misalnya, salah satu cat minyak paling sederhana mungkin mengandung campuran oksida besi merah (pigmen), minyak biji rami (pengikat) dan terpentin (pengencer). Cat minyak juga mungkin mengandung sejumlah aditif lain, untuk meningkatkan pengeringan, penampilan dan tindakan lainnya.

Efek Cat Minyak Dalam Karya Seni Lukis

Tidak seperti tempera, cat akrilik, cat air, atau guas, yang semuanya mengering dengan penguapan, cat minyak mengering karena oksidasi – artinya, minyak bereaksi secara kimiawi dengan oksigen di udara dan secara bertahap berubah dari cairan menjadi gel dan akhirnya menjadi keras.

Jenis Minyak Apa yang Digunakan dalam Cat Minyak?

Jenis minyak yang paling populer digunakan dalam lukisan adalah minyak biji rami karena (tidak seperti minyak nabati lain seperti minyak zaitun atau minyak kanola) minyak ini mengering melalui oksidasi. Minyak biji rami bukan satu-satunya minyak pengeringan (atau siccative): safflower, biji poppy, atau minyak kenari juga dapat digunakan, tergantung pada kilau, waktu pengeringan, dan efek lain yang diperlukan oleh pelukis.

Namun, minyak biji rami cenderung lebih cepat mengering dan, dalam prosesnya, membentuk lapisan cat yang lebih fleksibel sehingga dapat dikerjakan ulang dengan lebih mudah. Perhatikan juga, bahwa pigmen tidak mengering dengan kecepatan yang sama: cat minyak arang hitam, misalnya, cenderung lebih lambat mengering sementara oker merah / kuning mengeras lebih cepat.

Bagaimana Cat Minyak Dibuat?

Saat ini, sangat sedikit seniman yang menggunakan cat minyak buatan tangan; sebagian besar lebih suka membeli merek yang diformulasikan. Tetapi proses pembuatan dasarnya relatif serupa. Cara membuat cat minyak yaitu pertama adalah penggilingan pigmen dalam minyak. Pasta berminyak digiling secara menyeluruh untuk menyebarkan partikel warna pigmen ke seluruh campuran. Kemudian pengencer dan mungkin siccative tambahan (zat pengering) ditambahkan.

Contoh Seni Rupa Pahat Patung

Seni pahat adalah seni yang berdiri dengan bangga berdampingan dengan bentuk ekspresif lainnya seperti lukisan dan fotografi untuk menyampaikan emosi dan kerinduan umat manusia. Tubuh manusia telah menjadi salah satu subjek favoritnya untuk diciptakan kembali.

Alat Yang Digunakan Untuk Karya Seni Pahat Patung

Alat pahat patung utama yang dibutuhkan oleh pematung meliputi pahat ujung, pahat gigi (penggaruk), pahat lurus datar dan palu, semua dengan ukuran dan berat yang bervariasi. Semua dibuat dari baja karbon tinggi dan ditempa untuk kekuatan.

Intinya menghilangkan bahan curah primer dan tersedia dalam tiga ukuran, kecil, sedang dan besar. Semua meruncing ke bawah ke titik empat sisi dan ketebalan, atau ukuran titik, akan ditentukan oleh beratnya. Semakin kecil ukurannya, semakin halus atau ringan intinya.

Pahat atau penggaruk gigi, untuk pencabutan tahap kedua, adalah pahat lurus rata dengan gigi agak miring. Ia tersedia dalam empat lebar dasar, yang terkecil memiliki empat gigi, lima gigi berikutnya, enam gigi berikutnya, dan yang terbesar memiliki delapan gigi. Pahat gigi pada prinsipnya digunakan dalam reduksi geometris dari sepotong batu/logam/kayu yang lebih besar.

Pahat lurus pipih adalah alat finishing yang digunakan sebelum finishing abrasive akhir, serak, dan pengamplasan. Ini memiliki tepi lurus dengan sedikit kemiringan mungkin 30 ° dan tersedia dalam tiga ukuran, kecil, sedang, dan besar.

Ada juga alat khusus yang biasanya tidak digunakan dalam ukiran standar tetapi oleh pemahat menengah dan lanjutan untuk bantuan tambahan dalam banyak proyek. Mereka termasuk: titik berbentuk berlian, digunakan untuk memisahkan ferrules dengan lebar (Dalam ukiran batu/logam/kayu tidak ada “v” atau alat urat seperti pada ukiran kayu; titik melakukan pekerjaan ini.); Dan rondel, alat melengkung bundar yang digunakan untuk ukiran cekung; ujung tombaknya adalah kemiringan bulat.

Palu pahat batu/logam/kayu memiliki tiga bobot dan terbuat dari besi lunak, sehingga perkusi lebih mudah di atas batu/logam/kayu, perkakas, dan pengguna. Ukuran kepala adalah: 1 pon digunakan untuk pekerjaan detail kecil, 1½ pon untuk jenis ukiran yang paling umum, dan 2 pon untuk ukiran yang lebih besar. Pegangannya berkekuatan berat, kepala palu dipasang ke pegangan melalui lubang tengah di kepala dengan beberapa irisan baja untuk memastikan kesesuaiannya. Kecuali jika Anda sangat berotot, palu 1½ pon adalah alat pilihan.

Alat pneumatik, terdiri dari alat genggam dan alat pneumatik dan digunakan dengan kompresor udara, dapat mengurangi bahan curah sekitar sepertiga dari waktu yang dibutuhkan alat genggam standar. Bentuk umum ujung potong pada alat pneumatik adalah: ujung, garu, dan pahat lurus, dan pada ukiran kayu ada yang bengkok pendek, pahat lurus, gouge, buntut ikan, dan alat perpisahan.

Memahat Dalam Wujud Tubuh Manusia

Ide, representasi, dan obsesi tentang tubuh manusia telah dilukiskan oleh seniman patung selama berabad-abad. Para pematung ini adalah dan merupakan pengamat anatomi manusia yang rajin seperti yang mereka lihat di permukaan. Konsep kesimetrian, keseimbangan, harmoni, dan gerak disampaikan melalui pahatan tubuh manusia ini sesuai dengan impresi para senimannya. Karya seni ini, yang dipahat dalam berbagai bahan seperti tanah liat, kayu, marmer, perunggu, baja, beton, dan banyak lainnya, dieksekusi dalam bentuk realistis, seperti kehidupan, atau dalam penggambaran abstrak. Sangat penting bagi para seniman ini untuk mengamati dengan seksama perbedaan anatomi laki-laki dan perempuan karena mereka secara unik dan rumit memahat keunikan mereka yang terpisah ke dalam pahatan mereka.

Seni Rupa Pahat Patung Dari Perunggu

Secara umum, dimanapun teknologi metalurgi dikembangkan, logam telah digunakan dalam seni pahat. Di masa lalu, jenis logam yang paling umum digunakan adalah perunggu – paduan timah (10 persen) dan tembaga (90 persen) yang pertama kali disempurnakan dalam seni Yunani pada periode Klasik. Memang, bertentangan dengan citra populer patung Yunani yang terbuat dari marmer putih, sekitar setengah dari patung Yunani terbuat dari perunggu. Ini karena perunggu memiliki tingkat kekuatan tarik yang tinggi, yang – dibandingkan dengan patung marmer, atau terakota – memberikan kebebasan desain yang lebih besar kepada pematung, terutama untuk pose jenis balet yang diperpanjang. Memang, orang dapat berargumen bahwa penggunaan perunggu adalah faktor kunci bagaimana patung Yunani Kuno mencapai reputasinya, selama abad ke-5 SM.

Sayangnya, kekuatan dan daya tahan perunggu yang berharga, terkait dengan metode penempaannya yang relatif sederhana, membuatnya sangat berharga untuk digunakan dalam persenjataan, dibandingkan dengan logam lain. Akibatnya, 99 persen dari semua perunggu Yunani dan Romawi Kuno dijarah dan dilebur untuk diambil logamnya. Sejak Zaman Kuno Klasik, perunggu tetap menjadi media populer di semua kelas seni plastik.

Hampir semua pematung terhebat pernah menggunakan pengecoran perunggu di beberapa titik dalam karir mereka, termasuk pematung Yunani terkenal (seperti Phidias, Myron dan Polykleitos), seniman Renaisans seperti Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-98), Andrea del Verrochio (1435-88), dan Benvenuto Cellini (1500-71), serta Giambologna (1529-1608), Francois Girardon (1628-1715), dan Auguste Rodin (1840-1917). Pematung abad ke-20 yang unggul dalam perunggu antara lain: Brancusi (1876-1957), Alexander Archipenko (1887-1964), Ossip Zadkine (1890-1967), Henry Moore (1898-1986), Giacometti (1901-66) dan John De Andrea (lahir 1941), untuk menyebutkan beberapa.

Seni Rupa Pahat Patung Dari Batu

Jika petroglif (termasuk fenomena budaya luar biasa yang dikenal sebagai cupules) merupakan seni tertua di dunia, pahatan batu adalah seni mobiliari (portabel) tertua. Misalnya, patung pahatan Zaman Batu yang dikenal sebagai Venus of Berekhat Ram (basal) dan Venus Tan-Tan (kuarsit) setidaknya berusia 200.000 tahun, sedangkan patung batu kapur yang dikenal sebagai Venus of Willendorf berasal dari sekitar 30.000 SM. . Salah satu alasan kita mengetahui contoh seni prasejarah ini, tepatnya karena dibuat dari bahan tahan cuaca seperti batu.

Tentu saja ukiran kayu dan juga ukiran gading sama-sama tradisional, tetapi kayu terlalu mudah rusak, sedangkan gading dan tulang hewan hanya berguna untuk jenis figur skala kecil tertentu. Selain relatif mudah diperoleh, batu – setidaknya jenis tertentu – mudah diukir dan sangat tahan lama, tanpa (seperti perunggu) nilai intrinsik yang tinggi. Benar, marmer jauh lebih langka dan jauh lebih mahal daripada (katakanlah) batu kapur atau batu pasir, tetapi marmer adalah kasus khusus dan ditangani secara terpisah, lihat: patung marmer. Kasus khusus lainnya, adalah seni Megalitik, yang relief pahatannya tumpang tindih dengan seni plastik biasa, tetapi ini juga dibahas di tempat lain, seperti batu mulia seperti Jade (batu hijau), yang begitu luas ditampilkan dalam seni Tiongkok.

Hingga abad ke-20, hampir semua pematung terbesar telah mempraktikkan pahatan batu sebelum berkembang menjadi patung marmer atau perunggu, sementara beberapa, seperti seniman Irlandia terkemuka Seamus Murphy (1907-1975), menghabiskan seluruh hidup mereka memahat batu. Patung batu benar-benar mempesona selama program katedral dan pembangunan biara di era patung Romawi (c.1000-1200 M) dan Patung Gotik (c.1150-1300), sejak saat itu secara bertahap menurun, kecuali untuk ukiran patung tuf Moai yang luar biasa (sekitar 1250-1500) di Rano Raraku, Pulau Paskah. Meskipun mengalami penurunan, batu, bersama dengan baja, tetap menjadi media utama untuk pekerjaan luar ruangan skala besar, seperti yang dicontohkan oleh Women’s Titanic Memorial (1931, Washington DC), oleh Gertrude Vanderbilt Whitney.

Seni Rupa Patung Ukiran Kayu

Salah satu jenis seni tertua, ukiran kayu adalah bentuk seni yang umum untuk semua budaya, dari Zaman Batu dan seterusnya, paling tidak karena ketersediaannya yang luas, keliatan dan biaya rendah. Satu-satunya kelemahan nyata sebagai media patung adalah sifatnya yang mudah rusak. Menjadi penyerap air dan rentan terhadap serangga dan jamur di udara, kayu dapat terdegradasi dengan cukup cepat. Hasilnya, perunggu, marmer, dan jenis batu lainnya lebih disukai untuk karya monumental.

Meski begitu, kayu adalah jenis utama patung berasal dari Afrika yang digunakan untuk membuat topeng, patung, benda religius, dan barang ornamental design umum. Media ini juga banyak digunakan dalam seni Oseanik untuk mengukir kano upacara dan benda lainnya, serta dalam budaya tiang totem seni Indian Amerika dan seni Aborigin Australia. Sayangnya, sebagian besar jenis kesenian suku kuno ini telah musnah. Ukiran kayu juga umum dalam seni pahat Yunani, meskipun kurang bergengsi dibandingkan ukiran gading, dan kebanyakan digunakan untuk karya skala kecil. Media berkembang kemudian di Eropa, di samping arsitektur abad pertengahan, Romawi dan Gotik, terutama di gereja dan katedral, dan kemudian di samping furnitur bagus dan dekorasi interior, terutama dalam idiom seni Rokoko. Selama abad ke-20, seni plastik telah menggunakan kayu dengan berbagai cara yang inovatif, tidak terkecuali dalam seni kumpulan Louise Nevelson (1899-1988) dan lainnya, sedangkan seni rakyat abad ke-20 terus bergantung pada medianya.

Contoh Seni Rupa Grafis

pengertian seni rupa grafis adalah sebuah seni yang masuk dalam kategori seni rupa tradisional, termasuk segala bentuk ekspresi seni visual (misalnya, lukisan, gambar, fotografi, seni grafis), biasanya diproduksi pada permukaan datar. Desain dalam seni grafis sering kali memasukkan tipografi tetapi juga mencakup gambar, denah, dan pola asli untuk seni dekoratif (misalnya, furniture, permadani, keramik), interior, dan arsitektur.

Pengertian Seni Grafis Teknik Ukiran Kayu

Seni Grafis Ukiran kayu, teknik tertua yang digunakan dalam seni grafis seni rupa, adalah salah satu bentuk cetakan relief. Desain atau gambar seniman dibuat di atas sepotong kayu (biasanya kayu beech), dan area yang tidak tersentuh kemudian dipotong dengan coretan, meninggalkan gambar yang ditinggikan yang kemudian diberi tinta. Cetakan ukiran kayu dihasilkan dengan menekan media yang dipilih (biasanya kertas) ke gambar bertinta. Jika warna digunakan, balok kayu terpisah diperlukan. Pencetakan ukiran kayu kadang-kadang disebut sebagai xylography atau proses xylographic (dari kata Yunani ‘xulon’ untuk kayu dan ‘graphikos untuk menulis / menggambar), meskipun istilah-istilah ini biasanya disediakan untuk cetakan teks.

Hingga munculnya teknologi berbasis mesin, seluruh proses relatif padat karya. Biasanya, seniman hanya mendesain ukiran kayunya – baik dengan menggambar langsung di atas kayu, atau dengan menggambarnya terlebih dahulu di atas kertas lalu menjiplak atau merekatkannya ke kayu. Pengrajin spesialis yang dikenal sebagai ‘formschneider’ kemudian melakukan ukiran kayu sebenarnya dari desain tersebut, setelah blok itu diberikan kepada printer spesialis.

Pengertian Seni Grafis Teknik Etsa

Diciptakan oleh seniman Jerman Daniel Hopfer (c.1470-1536), etsa – bersama dengan ukiran, mezzotint dan aquatint – adalah salah satu metode intaglio dalam pencetakan seni rupa. Karena kesederhanaannya yang relatif, pengetsaan dengan cepat menyaingi pengukiran sebagai media seni grafis. Keunggulan utamanya dibandingkan pengukiran adalah bahwa sedikit pengetahuan tentang pengerjaan logam yang dibutuhkan, dan dapat dipraktikkan oleh siapa pun yang terlatih dalam menggambar. Pengetsaan bertanggal pertama berasal dari tahun 1513 oleh seniman Swiss Urs Graf (1485-1529), tetapi Albrecht Durer (1471-1528) juga membuat etsa pada waktu yang hampir bersamaan.

Proses Seni Grafis Dengan Teknik Etsa

Dalam etsa tradisional, pelat logam, biasanya terbuat dari tembaga, seng atau baja, dilapisi dengan zat tahan asam lilin yang disebut ‘tanah’ di mana seniman menggambar desainnya dengan jarum logam, memperlihatkan logam telanjang saat ia melakukannya. . Piring tersebut kemudian direndam dalam asam. Asam menggerogoti logam, yang terkena desain, menghasilkan garis-garis di piring. Pelat kemudian dibersihkan dari semua tanah, dan pelat diberi tinta menggunakan metode yang sama seperti untuk pengukiran. Etsa dapat dikombinasikan dengan teknik intaglio lainnya, eksponen terkenal adalah Rembrandt – yang menggabungkannya dengan ukiran – dan Francisco de Goya yang juga menggunakan aquatint.

Perkembangan Seni Grafis Teknik Etsa

Teknik etsa dasar diprakarsai oleh Daniel Hopfer (c. 1470-1536) di Augsburg, Jerman, yang pertama kali menggunakannya untuk menghias baju besi sebelum kemudian menerapkannya pada produksi cetakan halus.

Inovator terkenal lainnya adalah pencetak Prancis Jacques Callot (1592-1635), yang membuat perbaikan signifikan dalam teknik etsa. Pertama-tama, ia menemukan echoppe, sejenis jarum dengan ujung oval miring, yang memungkinkan pengetsa menghasilkan garis yang naik secara bertahap. Selanjutnya, dia merancang formula yang lebih baik untuk tanah berlilin yang digunakan pada pelat tembaga. Perbaikan ini menghasilkan garis yang lebih dalam dibuat oleh asam (sehingga memperpanjang umur piring) dan juga meminimalkan risiko tanah termakan di area yang salah. Callot juga banyak bereksperimen dengan teknik ‘berhenti’. Ini melibatkan membiarkan asam makan sedikit ke seluruh piring, sebelum menutupinya di tanah dan merendamnya kembali dalam asam – sebuah proses yang memfasilitasi terciptanya area yang teduh. Kemajuan Callot dipublikasikan dalam manual etsa, dan disebarluaskan ke seluruh Italia, Belanda, Jerman dan Inggris.

Pengertian Seni Grafis Teknik Litografi

Litografi dengan cepat menjadi populer di kalangan seniman sebagai alat reproduksi. Seniman itu hanya menggambar di atas batu, yang kemudian ditekan untuk mereproduksi banyak salinan di atas kertas. Senefelder terus meningkatkan proses selama hidupnya, menerima penghargaan dan medali untuk karyanya.

Koleksi pertama litografi diterbitkan di London pada 1803, dan termasuk karya seniman Amerika Benjamin West (1738-1820), pelukis Irlandia James Barry (1741-1806) dan seniman Anglo-Swiss Henry Fuseli (1741-1825).

Pada 1804 seri litografi pertama di Berlin diterbitkan, dan termasuk gambar oleh arsitek Karl Friedrich Schinkel (1781-1841). Di Prancis, proses tersebut terbukti populer dengan beberapa seniman paling penting di negara itu termasuk Eugene Delacroix (1798-1863), Theodore Chasseriau (1819-1856), Theodore Gericault (1791-1824) dan Goya yang sudah tua (1746-1828).

Pada saat ini proses tersebut telah dikembangkan lebih lanjut dan sekarang memungkinkan untuk memberikan warna dan nada pada litografi. Diketahui bahwa setiap warna dapat dihasilkan dengan tumpang tindih biru, merah, kuning dan hitam.

Asal Usul Sejarah Seni Rupa Pada Awalnya

Jenis seni ini berasal dari periode Acheulian seni prasejarah: ke proto-patung seperti Venus dari Berekhat Ram (patung basaltik, 230.000-700.000 SM) dan Venus Tan-Tan (patung kuarsit, 200.000-500.000 SM) ); dan lukisan gua dari Gua Chauvet (sekitar 30.000 SM), Lascaux, Altamira, Pech-Merle, dan Cosquer.

Selama era peradaban Mediterania kuno, termasuk peradaban Yunani, Romawi, dan Bizantium, serta seni Carolingian, Ottonian, Romawi, dan Gotik abad pertengahan, seniman rupa dianggap sebagai pekerja terampil belaka – seperti dekorator interior atau pemahat yang terampil. Baru pada masa Renaisans, profesi “seniman” dinaikkan ke tingkat baru yang lebih tinggi, yang mencerminkan pentingnya elemen “desain” – atau “disegno” yang baru dirasakan.

Perguruan Tinggi/Lembaga Bidang Seni Rupa

Sejak abad ke-16 dan seterusnya, siswa yang ingin memasuki profesi baru sebagai seniman dilatih di perguruan tinggi/lembaga khusus, yang didirikan di seluruh Eropa. Dua yang paling awal adalah perguruan tinggi/lembaga Seni Desain di Florence (Accademia dell’Arte del Disegno) dan perguruan tinggi/lembaga Seni Rupa Roma (Accademia di San Luca). Institusi pendidikan ini mengajarkan jenis “seni akademis” yang sangat tradisional, yang didasarkan pada prinsip seni Renaisans, yang mengatur hal-hal seperti materi pelajaran, bentuk, pesan, komposisi, warna, dan sebagainya.

Mereka juga menetapkan Hierarki Genre yang ketat, yang memberi peringkat genre lukisan dalam urutan kepentingan berikut: (1) Lukisan sejarah (2) Potret (3) Lukisan genre (4) Pemandangan (5) Still Life. Dengan demikian, lukisan sejarah (artinya gambar dengan “istoria” atau narasi yang menggembirakan) dinilai lebih mendidik daripada lanskap, tanpa konten manusia, atau moral apa pun. perguruan tinggi/lembaga tetap menjadi benteng seni rupa tradisional hingga abad ke-20, ketika Kubisme, Dada, dan Surealisme menghapuskan seperangkat aturan mereka yang rapi.

Seni Rupa Modern / Kontemporer

Seniman kontemporer semakin memperluas batas seni rupa. Seni patung plastik sekarang menggunakan berbagai bahan baru, serta bentuk baru (kumpulan, seni tanah, dll.). Seni grafis telah memanfaatkan proses pencetakan komersial baru, seperti sablon sutra dan cetakan giclee. Tentunya tidak akan lama sebelum instalasi dianggap sebagai seni rupa.

Pergerakan / Periode Perkembangan Seni Rupa

Berikut adalah daftar runtutan singkat dari aliran utama seni rupa:

• Seni Romanesque (Carolingian, Ottonian) (c.775-1050)
• Gotik (c.1150-1280)
• Gaya Gotik Internasional (c .1300-1500)
• Renaissance Awal (c.1400-90)
• High Renaissance (c.1490-1530)
• Mannerisme (c.1530-1600)
• Renaissance Utara (c.1400-1530)
• Barok (c.1600 -1700)
• Rokoko (c.1700-50)
• Neoklasik (c.1750-1815)
• Gerakan Romantisme (Berkembang c.1790-1830)
• Sekolah Lanskap Inggris (Abad 18 & 19)
• Sekolah Seni Lukis Figuratif Inggris ( Abad 18 & 19)
• Realisme Prancis (c.1845 dan seterusnya)
• Impresionisme (c.1870-80)
• Pasca Impresionisme (1885 on) (Pointilisme, Intimisme, Cloisonnism, Primitivisme)
• Fauvisme (c.1900-10)
• Ekspresionisme (c.1900 dan seterusnya)
• Kubisme (c.1908-12)
• Dada (c.1916-24)
• Surealisme (1924 dan seterusnya)
• Abstrak Ekspresionisme (1945-60)
• Op-Art (c.1958-70)
• Seni Pop (c.1958-73)
• Minimalisme (1960-an, 70-an)
• Fotorealisme (1960-an, 70-an)

Anomali dari Arsitektur Dalam Seni Rupa

Arsitektur secara tradisional dipandang sebagai seni rupa, terutama jika estetika lebih disorot, daripada komponen tekniknya. Selain itu, karya arsitektur, seperti Piramida Mesir, Tembok Besar China, Parthenon Yunani, serta Katedral Chartres, Taj Mahal, dan Menara Eiffel, merupakan simbol budaya dan karya seni yang penting, yang melambangkan peradaban sejarah mereka. Meski begitu, arsitektur berbagi sedikit dengan disiplin seni rupa lainnya, dan mungkin lebih tepat dianggap sebagai seni terapan. Disamping itu, sekarang banyak aristektur yang menerapkan seni-seni dalam pembangunan untuk mempercantik dan memperindah dan sekaligus sebagai teknik dan strategi pengembangan usaha untuk memikat pelanggan agar bisnis properti mereka berkembang.

Demikian pembahasan dari pengertian seni rupa yang kami definisikan secara terperinci dengan beberapa contoh seni rupa secara lengkap. Semoga bermanfaat menjadi pengetahuan baru atau tambahan.